Vienna festeggia il 2012, l’anno di Klimt

G.Klimt, Adele Bloch-Bauer I (1907)

Di se stesso non dipinse mai un autoritratto, perché sosteneva che chi avesse voluto capire qualcosa di lui, avrebbe dovuto guardare i suoi dipinti. Affermazione diretta e senza mezzi termini, come la frase di Schiller utilizzata da Gustav Klimt per definire la verità, il cui principio fondamentale suona così “Piaci a pochi, se non puoi piacere a molti” riassumendo in poche parole il suo stile di vita e artistico. Gustav Klimt scosse non poco il conformismo del suo tempo, ma fu ugualmente apprezzato e segnò l’inizio del modernismo. Un periodo che durò poco, ma lasciò tracce indelebili nella storia dell’arte in Austria e nel panorama internazionale. Vienna celebra quest’anno il 150° anniversario della nascita di Gustav Klimt con una serie di eventi, dalle mostre nei musei più prestigiosi della città al musical.

Beethoven di Max Klinger (1902)

Esattamente il 15/04/1902 si tenne a Vienna la 14° Mostra della Secessione che ufficializzò l’affermarsi dell’epoca modernista, ruotando principalmente  intorno all’esposizione della statua di Beethoven realizzata da Max Klinger, a dimostrazione che il rinnovamento musicale sulla scena viennese procedeva a pari passo con il modernismo artistico. Il grande compositore veniva raffigurato nella sua essenza fisica ed allo stesso tempo spirituale. Durante la realizzazione della statua di Beethoven, Gustav Klimt era presidente di un’associazione di artisti che promuoveva il rinnovamento nelle arti.

Con il nome di Secessione, per ribadire il concetto della fine di un’epoca e l’inizio di una nuova fase artistica in Austria, il gruppo di artisti che vi aderiva creò in occasione della mostra del 1902 un allestimento originale e innovativo, realizzando un ambiente unitario con spazi adattabili e pareti mobili che destassero nello spettatore un senso di continuità, tra tecniche e materiali diversi tra loro. Nello specifico, la produzione di Klimt si suddivide in due fasi.

Un primo periodo è quello “aureo” in cui il pittore viennese utilizzò massicciamente l’oro come colore, accanto a disegni geometrici riprodotti negli abiti dei personaggi e per gli sfondi. Vi si ritrova l’ispirazione ad elementi della pittura egizia ed orientale, oltre alla tecnica che ripropone il mosaico bizantino, di cui Klimt ne fu particolarmente affascinato recandosi a Ravenna, città famosa per i mosaici. Il periodo seguente è contraddistinto dallo stile cosiddetto “fiorito” con il quale Klimt rappresentava la fisicità dei personaggi, quasi esclusivamente donne, non più solo nei tratti del volto e delle mani come nel periodo aureo, ma attraverso linee fluttuanti e dinamiche come se le figure stessero danzando.

Periodo fiorito di G. Klimt, La Vergine (1912-1913)

Caratteristici di Gustav Klimt sono anche i formati delle sue opere, uno lungo e verticale che richiama all’arte orientale e quello quadrato che l’artista utilizzava per i paesaggi e le immagini ispirate alla natura.

Così, guardando i suoi dipinti, dopo oltre un secolo dalla loro produzione, non si può fare a meno di apprezzare la modernità di un artista che aveva rinunciato all’autocelebrazione in favore della pura espressione artistica.

Vienna celebrates Klimt year 2012

The Austrian painter never painted a self-portrait since he thought that if anyone wanted to know something about him, then he ought to look at his paintings. An unequivocal statement of an explicit artist who summed up in a few words his vision of life and personality. Another statement borrowed from Schiller was used by G. Klimt to express frankly his concept of truth which sounds like this “ Please just a few, if you can’t please everyone”. Though Klimt’s direct approach to art and life did upset the conformist mentality of his time, the artist was appreciated all the same and succeeded in making the short-lived modernist movement popular for ever both in Austria and internationally. This year, Vienna is celebrating the 150th anniversary of Gustav Klimt’s birth with a number of events, from exhibitions in the most prestigious museums of the city to a musical.

Exactly on Apr. 15th  1902 an event marked the official acknowledgement of  Modernism in Austria. It was the opening of the 14th Secessionist exhibition in Vienna, whose central point was Max Klinger’s Beethoven  Statue. The famous composer was represented in his physical and spiritual dimension, to highlight the twin course of art and music renewal. Klinger took some years to realize Beethoven statue and at that time Gustav Klimt was the chairman of an Art Association under the name of Secession to emphasize the end of an old age and the beginning of a new artistic era in Austria.

The original layout of the 1902 Vienna exhibition created a sense of continuity through transformable spaces and moving  walls with the use of different materials and techniques before arriving at the room where Beethoven statue was exhibited.

In particular, Klimt’s art can be divided into two periods. He firstly used gold to paint clothes and backgrounds as well as geometrical drawings with the consequent definition of the artist’s golden period. Egyptian and Oriental influences are evident in Klimt’s pictures, being also inspired by Byzantine mosaics he admired in Ravenna, the Italian city famous for this type of art technique. Later on, Klimt changed his style and painted human figures, especially women, underlining not only hands and faces in a geometrical context as before but through dynamic lines. Thus, the figures of his paintings look like dancing in the picture, giving a sense of flowered dimension. For that reason, the period can be referred to as the “flowered period” of Gustav Klimt.

Another distinctive aspect of Klimt’s paintings is the size of his works. Long vertical panels were often used to paint human figures, but he preferred squared shapes for landscapes and images inspired by nature. Over a hundred years after being produced, Klimt’s paintings don’t lack in modernity and spectators can’t help but appreciate an artist who refused self-celebration in favour of self-expression and the pure creativity.

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Wien feiert das Klimt-Jahr 2012

Der Österreicher Künstler malte nie ein Selbstporträt. Wenn ihn jemand verstehen wollte, sollte er seine Bilder sehen, sagte er.  Eine klare und deutliche Behauptung genauso wie Schillers Grundsatz „Kannst du nicht allen gefallen, mach es wenigen recht”, der Klimt verwendete, um die Wahrheit zu beschreiben. Mit diesen wenigen Wörtern kann man grundsätzlich die direkte Kunst- und Lebensanschauung von Klimt zusammenfassen, der den Konformismus seiner Zeit verwirrte. Trotzdem erhielt seine Kunst grossen Anklang, damit die kurze modernistische Bewegung immer erfolgreich in Österreich sowie international bleibt.

Dieses Jahr feiert Wien den 150. Geburtstag des Österreicher Künstlers mit vielen Ausstellungen in den berühmtesten Museen der Stadt, einem Musical und anderen Ereignissen.

Am 15. Apr. 1902 fand die 14. Sezessionsaustellung in Wien statt, die den Anbruch  des Modernismus öffentlich bestätigte. Hauptmotiv der Ausstellung war das Beethoven Standbild von Max Klinger als Beweis für  die damalige, gleichlaufende Erneuerung der Kunst und Musik in Wien. Der berühmte Komponist wurde in seinem menschlichen sowie geistigen Wesen dargestellt.

Während Klinger das Standbild von Beethoven bearbeitete, war Gustav Klimt der Vorsitzende einer Künstlervereinigung, die die Erneuerung der Kunst in Österreich förderte. Unter dem Namen Sezession, um das Ende einer Kunstzeit und den Beginn einer neuen Ära zu betonen, schufen die zugehörigen Mietglieder bei der 1902 Ausstellung eine innovative Veranstaltung. Bewegliche Wände  und verwandelbare  Räume, wo die Kunstwerke aus verschiedenen Materialen und Techniken  ausgestellt wurden, regten die Zuschauer zu einem Weg ohne Unterbrechung an, bevor sie den Raum mit Beethoven Standbild erreichten.

Klimt Malerei kann man in zwei Phasen teilen. In der sogenannten goldenen Phase verwendete Klimt reichlich Goldfarbe, damit er die Hintegründe und Kleider seiner Figuren malte. Geometrische Zeichnungen und die Einflüsse der orientalischen und ägyptischen Malerei sowie byzantinischen Mosaiken, die Klimt während seiner Reisen nach der italienischen Stadt Ravenna bewundern konnte, kennzeichnen die goldene Periode. Danach malte Klimt die Figuren seiner Bilder, überhaupt Frauen,  mit wogenden und weichen Linien, so dass sie wie in einem erblühenden Tanzen erscheinen. Die Frauenkörperlichkeit wird nicht mehr nur durch die Gesichter und Hände der goldenen Phase, sondern in einer neuen lebendigsten Dimension dargestellt.

Was  Klimt auch bezeichnet, ist das Format seiner Werke. Figuren wurden meistens durch lange, vertikale Abbildungen dargestellt. Für Landschaften und der Natur inspirierte Bilder verwendete Klimt das viereckige Format. Nach über einem Jahrhundert  bleiben die Bilder von Klimt immer noch aktuell und sind das Zeichen eines Malers, der auf Selbstgefälligkeit zugunsten des freien Kunstausdruckes verzichte.

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